Die eine Art von Fotosession, bei der ich am härtesten arbeite, um das Licht ganz genau zu setzen, ist bei einer Boudoirsession. Ich finde diese intimen Fotosessions eine ziemliche Herausforderung. Ich muss eine Vielzahl von Looks in kurzer Zeit erzeugen. Dafür muss ich mich nicht nur auf das Posing und Blickwinkel konzentrieren, sondern auch auf die Lichtführung. Aber am wichtigsten ist dabei, dass sich das Model oder die Kundin die gesamte Zeit wohl dabei fühlt und entspannt ist. Die Session muss Spaß machen und sie wirklich von ihrer besten Seite zeigen.

Ich bringe zu diesen Shootings eine Vielzahl von Lichtequipment mit – Systemblitze, die auf der Kamera benutzt werden,

und als ein Softbox Aufbau. Ich bevorzuge auch Videolicht.

Ich halte die Ausrüstung aber transportabel, klein und leicht aufzubauen, was bedeutet, dass ich an erster Stelle verfügbares Licht verwende, wenn immer ich es kann. Indem ich mir die Richtung des Lichts der verschiedenen Lichtquellen in einem Raum ansehe, kann ich das Model im Verhältnis dazu positionieren (z.B. einem Fenster) oder einfach die Lichtquelle umstellen, wenn es eine Nachttischlampe ist.

Da die Intensität des Lichts in den Räumen relativ gering ist, brauche ich schnelle Optiken und Kameras mit hoher ISO-Fähigkeit. Der Stil, den ich bevorzuge ist gefühlvoll und romantisch. Sexy, ohne übermäßig sexuell zu sein. Bei der Boudoirfotografie finde ich, dass ein ‘Hauch’ besser funkioniert, als direkter zu sein. Aber Stil und Geschmack variieren natürlich.

Das ist ein Beispiel, bei dem ich das weiche Fensterlicht als Hauptlichtquelle benutzt habe. Ich habe kein weiteres Licht hinzugefügt. Das Fensterlicht war weich und das dominierende Licht aus diesem Blickwinkel. Jetzt konnte ich mich darauf konzentrieren den Fluss ihrer Bewegungen zu dirigieren.

1/30 @ f2.8 @ 1600 ISO

Nikon D3; Nikon 24-70mm f2.8 AF-S (B&H)

Das Foto oben war ‘mit’ der Richtung des Lichts fotografiert, um gleichmäßiges Licht auf ihr zu bekommen. Es ist auch gut es ein bisschen aufzulockern und ‘gegen’ eine Lichtquelle zu fotografieren oder in einem Winkel zur Hauptlichtquelle…

In diesem Fall habe ich sie so positioniert, dass die Nachttischlampe sich in einem schönen Streiflicht um sie gehüllt hat. Ihr Spiegelbild wurde direkt beleuchtet, aber aus meiner Blickrichtung war es ein dramatischeres Licht.

1/250 @ f2 @ 1600 ISO

Nikon D3; Nikon 85mm f1.4 (B&H)

Bevor ich ihr genaue Anweisungen gegeben habe, hatte ich sie frei positioniert, damit ich die Richtung und Qualität des Lichts, das auf sie fällt, herausfinden konnte. Auch der Hintergrund ist von großer Bedeutung. Nur wenn ich sicher bin, dass dort etwas ist, womit man arbeiten kann, fange ich an dem Model oder der Kundin Anleitung zu geben und ein paar Fotos zu schießen.

Es ist unheimlich hilfreich ihr ein paar Ergebnisse auf dem Kameradisplay zu zeigen. Dieses Aufbauen ist ein großer Motivator für das Vertauen in das Shooting.

Ein weiteres Foto bei dem ich gegen die Hauptlichtquelle fotografiert habe. Ich wollte die hellen Bereiche im Hintergrund ausbrennen lassen und habe sie dementsprechend positioniert.

1/160 @ f1.6 @ 1600 ISO

Nikon D3; Nikon 85mm f1.4 (B&H)

Die Wahl der Objektive hat offensichtlich genauso einen Einfluss auf das finale Ergebnis. Der Wechsel der Perspektive, die durch verschiedene Brennweiten zwingend werden, helfen das ganze wieder etwas aufzulockern. Der Unterschied in der Schärfentiefe zwischen schnellen Festbrennweiten und Zooms helfen auch eine Abwechslung in die Fotos zu bringen.

Das sind zwei Fotos von einer der letzten Sessions, bei der ich zwischen verschiedenen Objektiven gewechselt habe. Eine 50mm f1.4 Festbrennweite und ein 105mm f2.8 Macroobjektiv. Auch diese beiden wurden nur mit dem verfügbaren Licht des Hotelfensters gemacht.

1/100 @ f3 @ 1250 ISO

Nikon D3; Nikon 105mm f2.8 AF-S macro (B&H)

.

1/160 @ f1.6 @ 1250 ISO

Nikon D3; Nikon 50mm f1.4 AF-S (B&H)

.

gebouncter Blitz

Ich verwende während der Sessions auch gebouncten Blitz von der Kamera, aber ich konzentriere mich darauf das im Raum vorhandene Licht zu verwenden. Ein Teil der Problematik mit gebounctem Blitz ist, dass er die Szene zu weit aufhellt. Oftmals verliert man dadurch die interessanten Lichtmuster und die interessante Art, wie das vorhandene Licht auf das Objekt fällt.

Es kann aber auch funktionieren, wenn es der Effekt ist, den man möchte…

1/100 @ f3.5 @ 1250 ISO

Nikon D3; Nikon 24-70mm f2.8 AF-S (B&H); Nikon SB-900 (B&H)

Meine Einstellunge bei dem Bild oben waren so, dass das Umgebungslicht im Raum mit einbezogen wurde. I hätte eine geringere ISO benutzen können und eine kleinere Blende, aber das hätte einen anderen Effekt ergeben, als ich haben wollte.

Beim nächsten Foto stand sie in einem Türrahmen. Ich habe damit verhindert, den Raum durch den gebouncten Blitz aufzuhellen. Aber ich musste sie sorgfältig vor dem Hintergrund positionieren, um eine Trennung von ihm zu erzeugen. Ich wollte zudem ein paar verschwommene Elemente im Hintergrund haben.

1/250 @ f3.2 @ 1250 ISO

Nikon D3; Nikon 24-70mm f2.8 AF-S (B&H); Nikon SB-900 (B&H)

.

Videolicht

Wie ich in einem früheren Beitrag schon erwähnt habe, ist eines meiner Lieblingslichtquellen bei einer Boudoirsession das Videolicht. Ich benutze ein Lowell iD-light.

1/60 @ f3.5 @ 1250 ISO

Nikon D3; Nikon 24-70mm f2.8 AF-S (B&H)

Das Videolicht gibt ein konzentriertes Licht, das sehr dramatisch sein kann, wenn es richtig gesetzt wird. Der Schlüssel ist, auf das Licht zu schauen, wie es auf das Gesicht des Models fällt und wie der Schatten der Nase liegt. Am besten ist es, wenn der Schatten nicht über den Mund oder die Wange verläuft. Das im Hinterkopf, gebe ich meinem Assistenten immer die Anweisung den Bewegungen des Models mit dem Videolicht zu folgen… und sorgfältig zu schauen, wie der Nasenschatten aussieht.

Um dem Effekt des Videolichts entgegenzuwirken, benutze ich oft einen gebouncten Blitz zum Angleichen. Die Blitzkompensation ist aber weit heruntergeregelt, um wirklich nur den Gesamtkontrast der Szene etwas zu veringern. In solch einem Fall ist es auch immens wichtig den Blitz mit einem Filter zu Kunstlicht zu konvertieren.

1/250 @ f2.5 @ 1600 ISO

Nikon D3; Nikon 50mm f1.4 AF-S (B&H); Nikon SB-900 (B&H)

Und dann, um es alles zu vermischen, habe ich hier Videolicht und verfügbares Licht benutzt. Ich habe das Videolicht diffuser gemacht, indem ich einen Kaffeefilter darübergestülpt habe.

Mit dem diffusen Videolicht und dem Mix vom durch die Vorhänge gefilterten Tageslicht ergab das eine warme Mischung für diese Szene. Und es funktioniert.

1/250 @ f3.2 @ 1600 ISO

Nikon D3; Nikon 24-70mm f2.8 AF-S (B&H); Nikon SB-900 (B&H)

.

Der Gedanke bleibt, dass es entscheidend ist sich echte Gedanken über das Umgebungslicht zu machen. Achtet auf die Richtung des Lichts. Schaut wieviele Lichtquellen ihr habt. Dann findet heraus, ob ihr zusätzliche Lichtquellen braucht und welche Art von Licht ihr mit einbringen wollt. Am Ende kommt es immer auf die eine Frage zurück, welche Qualität das Licht hat… und wie ihr es verwendet und unterstützt.

Für weitere Beispiele meiner Boudoir-/Intimsessions seht euch meine Galerie an.

Seht euch auch Ed Veroskys letzten Artikel über Lichtführung für Boudoir an,

genauso wie seine Austin Boudoir Photography Seite.

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause

Die Schärfentiefe ist einer der elementaren Faktoren in der Fotografie, der die meisten (neuen) Fotografen mit Fragen überhäuft. Eine Frage, die mir häufig gestellt wird, ist “Woher weißt du, wieviel Schärfentiefe du brauchst?” Jeder, der sich auf dieses Thema gestürzt und ein paar Quellen zu Rate gezogen hat, weiß, dass man schnell verwirrt ist… der Kopf dreht sich und versucht alle Konzepte miteinander zu verbinden: Unschärfekreis, Brennweite, Objektabstand, Vergrößerungsfaktor, Formatgröße, Abbildungsmaßstab u.s.w.

Ein funktionierender Ansatz kann aber viel einfacher sein…

Früher hatten Objektive Markierungen für den Schärfebereich eingraviert, die einem eine ungefähre Vorstellung darüber gaben, was bei einer bestimmten Distanz und Fokus scharf abgebildet würde, bei einer bestimmten Blende für die jeweilige Linse. Man kann auch Schärfentiefetabellen mit sich herumschleppen. Heute gibt es sogar kleine Programme für das iPhone, die einem den Schärfebereich für ein bestimmtes Objektiv und Kamera verraten.

Als ein Portrait- und Hochzeitsfotograf kümmere ich nicht mehr so sehr darum. Zum einen durch meine Erfahrung (und die hilft immer), aber hauptsächlich durch mich selbst, habe ich die Frage “Wieviel Schärfentiefe brauche ich?” auf diese Antwort reduziert: Gerade genug.

Das scheint eine resignierte und witzhafte Antwort zu sein. Wie auch immer, wieviel Schärfentiefe braucht man tatsächlich? Genug eben.

Abhängig vom Bereich der Fotografie, in dem ihr euch aufhaltet, können eure Anforderungen andere sein. Ein Portraitfotograf hat andere Kriterien als ein Fotograf, der vorrangig Landschaften, für die Werbung, Architektur, Sport oder für die Nachrichten fotografiert. Behaltet also im Hinterkopf, dass meine Antworten hier nicht auch auf euch zutreffen könnten. Diese Einschätzung muss ich hier loswerden, bevor die Anderen von den Lesern meines Blogs zerfetzt werden. ;)

Ich lege meine Schärfentiefe danach fest, indem ich drei Kategorien erstellt habe…

- geringe Schärfentiefe (f1.4 bis f2.8 .. oder auch f4)

- mittlere Schärfentiefe (zwischen f4 – f8)

- sehr große Schärfentiefe (f8 und kleiner)

Wenn ich ein Portrait fotografiere, bin ich oft daran interessiert, nur die Augen in den Fokus zu legen. Also würde eine geringe Schärfentiefe reichen. Deshalb funktioniert jede Blende zwischen f4 und f1.4. Die Art, wie sich der Hintergrund darstellt und wieviel vom Gesicht des Models ebenfalls scharf ist, variiert dabei natürlich. Aber der wichtigste Punkt in beinahe jedem Portrait -die Augen- werden scharf sein und damit hat man den wichtigsten Teil gemeistert.

Die Fotos in diesem Beitrag sind während einer Session entstanden, die darauf abzielte, die Stimmung und reizvolle Schönheit einzufangen. Dafür wollte ich eine äußerst geringe Schärfentiefe.

Wieviel Schärfentiefe habe ich gebraucht? Gerade genug. Das bedeutet, f2.8 hätte es getan, genauso wie f2 oder f1.4  oder etwas dazwischen. Die Art, wie die Fotos wirken würden, hätte sich zwischen f 1.4 und f2.8 ein gutes Stück verändert, aber nichts daran wäre für dieses Szenario falsch gewesen. Ich hätte jede erdenkliche Blende dafür verwenden können und trotzdem erfolgreiche Fotos bekommen. Aber ich wollte eben eine sehr geringe Schärfentiefe, also bin ich bei f1.4 gelandet, was außerdem äußerst hilfreich war, da ich während dieser Session meistens zwischen 1/30 – 1/160 Sekunde bei 1600 ISO fotografiert habe. Alles handgehalten.

Der Punkt, den ich versuche klar zu machen, ist, dass ich für dieses Szenario (und ich wette, das trifft auf die meisten Fotografiesituationen zu) keine Schärfentiefetabellen brauchte. Ich musste mich nur für einen Bereich von Blenden entscheiden, in dem ich arbeiten wollte. Ich wollte eine geringe Schärfentiefe und hätte diese mit einem relativ großen Bereich von Blenden erreicht.

Es gilt auch zu beachten, dass Schärfentiefe keine genau definierbaren Kanten hat. Das heißt, wenn der Schärfentieferechner angibt, dass bei Blende f5.6 genügend Schärfe zwischen (sagen wir mal) 1,5 und 4 Metern liegt, es nicht bedeutet, dass bis 4m alles knackig scharf und ab 4,5m traumhaft verschwommen ist. So ist es einfach nicht. Es ist ein linear verlaufender Bereich von Schärfedarstellung. Das Verständnis dafür ist wichtig, um den Effekt von Schärfentiefe und den Wechsel von Blende zu Blende zu begreifen. Es verlauft geradlinig, nicht schrittweise.

Das bedeutet, dass es eine lineare Veränderung zwischen benachbarten 1/3 Blendenstufen gibt und es einfach ist, den Unterschied von z.B. f3.5 zu f4 verfolgen zu können. Sich für einen Bereich von Blenden zu entscheiden, in dem man bleiben möchte und dann die passenden ISO und Verschlusszeiten zu finden ist eine praktischere Methode. Also, dann die drei Bälle zu jonglieren (Blende, Verschlusszeit & ISO) um praktikable und nützliche Einstellungen für die Kamera zu finden.

Für eine Gruppenaufnahme braucht man deutlich mehr Schärfentiefe und man wird sich sehr wahrscheinlich im Bereich von f4 bis f8 wiederfinden. Wenn die Personen in einer Linie stehen (oder sitzen), so dass ihre Augen mehr oder weniger auf einer Fokusebene liegen, könnte man gut mit einer Blende von f4 zurechtkommen. Sobald sie aber gestaffelt sind, braucht man eine kleinere Blende. f8 oder noch kleiner (was bedeutet, dass die Zahl hinter dem ‘f’ für die Blende größer wird).

Landschaftsfotografen brauchen oft tonnenweise Schärfentiefe. Aber das hängt auch von dem künstlerischen Ansatz ab. Man kann auch eine große Blende wählen, um ein Objekt in der Landschaft visuell zu isolieren. Wenn man aber mehr Schärfentiefe möchte, kommt man in den Bereich von f11 und f16. Ab Blende f22 und kleiner kommt man an eine Grenze, an der Beugungsunschärfe auftritt und die Qualität der Fotos ernsthaft verschlechtert. (Das ist aber ein anderes Thema und ihr könnt danach googlen, wenn euch das interessiert.)

Außerdem ermöglicht mir eine geringe Schärfentiefe das Augenmerk des Betrachters zu lenken. Hier sind zwei Fotos. Beim ersten habe ich den Fokus auf die Augen gelegt und beim zweiten auf die Hände. Für mich funktionieren beide Bilder gleichermaßen.

Letztendlich, um diesen schlingernden Beitrag abzuschließen, wollte ich einen Weg aufzeigen, der einen künstlerisch von der Angst vor einer speziellen Blendenwahl befreit… speziell wenn man vorher Schärfentiefetabellen benutzt hat. Mein Arbeitsansatz zur Wahl des Schärfebereichs: Entscheidet euch, wieviel Schärfentiefe ihr ungefähr braucht und verwendet dann eine Blende aus dem Bereich, in dem ihr gerade genug Schärfentiefe haben werdet. In seiner Einfachheit irgendwie selbsterklärend.

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause