Synchronisation auf den ersten und den zweiten (hinteren) Verschlussvorhang

Ein Thema, das hier auf dem Blog bereits schon einmal in Kürze behandelt wurde, dreht sich um die Synchronisation auf den ersten und den zweiten Verschlussvorhang. Das wird auch in meinem Buch über Blitzfotografie behandelt.

Da es ein wichtiges Thema ist, lasst uns sehen, was es beinhaltet und wo die Unterschiede zwischen den beiden Arten einen Blitz zu Synchronisieren liegen… und warum man den einen Weg dem anderen bevorzugen könnte.

Wir haben ein großartiges Model, das uns bereitwillig zu Verfügung stand, um ein paar Vergleichsbilder zu erstellen:

(Übersetzung: Das sähe man bei der Synchronisation auf den zweiten Vorhang.)

(Die Verwendung dieser Grafiken geschieht mit dem Einverständnis meines Freundes Ulysses, einem New Yorker Hochzeitfotografen)

Zunächst müssen wir uns noch einmal die Arbeitsweise des Verschlusses ansehen – zwei Vorhänge, die sich öffnen und somit erlauben, Licht auf den Film oder Sensor fallen zu lassen. Das Zeitintervall zwischen dem Öffnen des ersten Vorhangs und dem Schließen des zweiten, bestimmt die tatsächliche Verschlusszeit… das heißt, wie lange der Verschluss geöffnet ist.

Wenn der Verschluss vollständig geöffnet ist, wird der Blitz gezündet. In diesem Beitrag müssen wir uns nicht um die maximale Blitzsynchronzeit kümmern (HSS/FP). Tatsächlich kommt HSS/FP überhaupt nicht zum Zug, wenn wir uns die Synchronisation auf die beiden Verschlussvorhänge ansehen. Die Synchronisation auf den ersten oder den zweiten Vorhang wird nur bei langen Verschlusszeiten wichtig. HSS/FP passiert bei… kurzen Verschlusszeiten.

Okay, der Blitz wird also gezündet, wenn der Verschluss komplett geöffnet ist. Bei langen Verschlusszeiten – viel längeren als bei der maximalen Blitzsynchronzeit – gibt es eine bestimmte Verzögerung zwischen der vollständig beendeten Bewegung des ersten Vorhangs und bis der zweite sich erst zu bewegen anfängt. Innerhalb dieser Verzögerung können können wir nun aussuchen, wann wir den Blitz abfeuern wollen.

Bei einer langen Verschlusszeit  können wir den Blitz an zwei Stellen zünden:

- direkt wenn der erste Vorhang sich vollständig geöffnet hat
(aber der zweite Vorhang sich noch nicht in Bewegung gesetzt hat), oder

- genauuu bevor der zweite anfängt, sich zu bewegen.

Wenn man mit einer langen Verschlusszeit arbeitet, erlaubt man dem Objekt (oder der Kamera) durch Bewegung das Resultat zu beeinflussen, das beim reinen Umgebungslicht entsteht (kein Blitz). Wenn die Kamera statisch bleibt und sich das Objekt bewegt, dann wird sich die Bewegung mit einem Wischeffekt abbilden, einem Verwischen der Bewegung. Wenn man die Kamera mit der Bewegung mitführt, reduziert sich der Wischeffekt. Wenn beispielsweise jemand rennt und die Kamera bei einer langen Verschlusszeit mit der Bewegung des Objekts mitgeführt wird, dann werden der Körper und das Gesicht relativ scharf abgebildet werden… aber die Gliedmaßen werden durch die Bewegung und lange Verschlusszeit verwischt sein.

Zurück zur Entscheidung wann der Blitz auslösen sollte:

- zum Beginn der Auslösung für das Umgebungslicht
(d.h., wenn der erste Verschlussvorhang sich komplett geöffnet hat und der Verschluss offen ist), oder

- am Ende der Umgebungslichtbelichtung
(d.h., wenn der hintere Vorhang im Begriff ist sich zu bewegen und den Verschluss schließt)

Diese beiden Wege/Zeiten/Punkte, um den Blitz zu zünden, haben einen überlegungswerten Einfluss darauf, wie das Blitz- und Umgebungslicht in Relation zueinander erscheinen werden. Man beachte, dass die Wahl zwischen erstem und zweiten Vorhang KEINEN Einfluss auf die Blitzbelichtung hat oder wie die Blitz- und Umgebungsbelichtungen sich ausbalancieren. Was beeinflusst wird, ist das Timing. Wir werden noch einmal darauf zurückkommen. Erstmal sehen wir uns ein paar Diagramme an.

Bei der Synchronisation auf den ersten Vorhang zündet der Blitz am Anfang der Belichtung… das Objekt bewegt sich im Verhältnis zur Kamera (d.h., die Kamera wird nicht mitgezogen) und am Ende der Belichtung für das Umgebungslicht schließt der Verschluss einfach nur. Die Bewegung des Objekts wird als Verwischung nach außen vom von dem Blitz eingefrorenen Objekt weg erscheinen.

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Bei der Synchronisation auf den zweiten Vorhang zündet der Blitz am Ende der Belichtung. Der Blitz löst aus, wenn die Umgebungsbelichtung abgeschlossen ist. Jetzt wird die Bewegung des Objekts als Verwischen hinter dem vom Blitz eingefrorenen Objekt erscheinen.

Der Vorteil der Synchronisation auf den zweiten Vorhang:

Wie man bei den Beispielen offenkundig sehen kann, ergibt die Synchronisation auf den zweiten Vorhang ein natürlicheres Ergebnis, wenn sich das Objekt im Verhältnis zur Kamera bewegt.

Das Verwischen hinter dem Objekt ist, wie ich die Bewegung intuitiv sehen möchte. Vielleicht ist es intuitiv, vielleicht aber auch die jahrelange Beeinflussung durch das Ansehen von Filmen, Cartoons und dem Lesen von Comics. Man will die Bewegung als einen Verschmieren hinter dem Objekt sehen und nicht als Geisterbild, das sich aus dem Objekt herausbewegt.

Der Vorteil der Synchronisation auf den ersten Vorhang:

Es scheint nun, dass die Synchronisation auf den zweiten Vorhang offensichtlich die beste Wahl für den Einsatz eines Blitzlichts bei langen Verschlusszeiten ist. Das Verwischen der Bewegung führt zum Objekt, das vom Blitz eingefroren ist. Wenn man Action fotografiert oder sowas wie tanzende Menschen, dann wird wohl die Synchronisation auf den zweiten Vorhang das Mittel zum Zweck sein.

Es gibt aber zwei Probleme beim Blitzen auf dem zweiten Vorhang:

1. Das eine Problem ist ein kleineres, bei dem der genaue Zeitpunkt der Blitzauslösung im Ablauf der Bewegung schwierig wird. Da der Sucher für die Zeit der Belichtung schwarz wird, wenn der Spiegel der SLR hochklappt, könnten wir ein wenig mit dem Timing danebenliegen, wenn der Höhepunkt der Bewegung durch den Blitz eingefroren werden soll.

2. Das zweite Problem zeigt sich, wenn man TLL-Blitz für die Personenfotografie verwendet. Bei der TTL-Blitzbelichtungsmessung schickt die Kamera mit dem Blitz einen Vorblitz aus, um das Blitzlicht einzumessen. Dieser Vorblitz wird vor dem Öffnen des Verschlusses und dem Hauptblitz (der tatsächlichen Belichtung) ausgeschickt.

Dieser Vorblitz ist bei den meisten D-SLR nicht wahrnehmbar, wenn man auf den ersten Vorhang synchronisiert. Wenn man aber auf den zweiten Vorhang synchronisiert, entsteht eine bestimmte Verzögerung zwischen den beiden Blitzen. Personen neigen dazu, als Reaktion auf den Vorblitz, zu blinzeln. Bei der eigentlichen Belichtung bekommt man dann oft Fotos, auf denen die Personen halb oder ganz geschlossene Augen haben. Das kommt tatsächlich häufiger vor, als wenn man auf den ersten Vorhang synchronisiert, bei der es keinen wahrnehmbaren Unterschied zwischen Mess- und Hauptblitz gibt.

Einsatzgebiete für die Synchronisation auf den ersten und den zweiten Verschlussvorhang:

Ich habe oft den Rat gehört, dass man bessere Ergebnisse mit der Synchronisation auf den zweiten Vorhang erzielt. Das ist aber einfach nicht wahr. Der Unterschied liegt nur im relativen Moment zwischen der Belichtung durch das Umgebungslicht und dem Blitz. Die eigentliche Blitz- und Umgebungslichtbelichtung sollte sich aber nicht verändern.

Auch ergibt die Synchronisation auf den zweiten Vorhang bei einem statischen Objekt keinen Vorteil gegenüber der, auf den ersten Vorhang.

Mein Rat ist also, dass man auf den zweiten Vorhang synchronisieren sollte, wenn man einen bestimmten künstlerischen Effekt erzielen möchte. Für den überwiegenden generellen Teil der Fotografie, insbesondere wenn man Personen fotografiert, würde ich die Standardvariante, die Synchronisation auf den ersten Vorhang, verwenden. Man reduziert wirklich die Wahrscheinlichkeit, dass Personen als Reaktion auf den Vorblitz blinzeln.

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause

Ausbalancieren von Blitz und verfügbarem Licht/Umgebungslicht

Da viele der Fragen auf dem Tangents Blog auf das Ausbalancieren von Blitz und Umgebungslicht abzielen, möchte ich die Antworten in einem einzigen Artikel sammeln und einen Referenzpunkt schaffen, statt der über diese Seiten verteilten Antworten.

Die Fragen drehen sich meistens um:

- Belichtungsmessung fürs Umgebungslicht,
- Belichtungsmessung für TTL-Blitz und Umgebungslicht,
- ob man manuellen oder TTL-Blitz benutzt,
- Blitzbelichtungskompensation (FEC),
- die Wahl der Blende,
- maximale Blitzsynchronzeit,
- Belichtungsmessung für entfesselte Blitze und Umgebungslicht,
- die Wahl der Einstellungen, um manuellen Blitz und das Umgebungslicht auszubalancieren,
- ob man die Verschlusszeit zieht oder nicht.

Die Antwort auf die Frage, wie man einen Blitz und das Umgebungslicht ausbalanciert fällt oft in den Bereich von “es kommt darauf an”. Es hängt wirklich ab von:

- dem vorhandenen Szenario und
- dem, was man erzielen möchte.

Das klingt jetzt alles noch sehr vage. Wenn man gesagt bekommt, man könne alles machen, was man möchte, dann ist das nicht so hilfreich, wenn man gar nicht weiß, wo man anfangen soll. Die meisten Antworten sind mit den Artikeln oben verlinkt und auf der Seite meiner Top 20 Tipps für die Blitzfotografie zu finden.

Sehen wir uns mal ein spezielles Foto an und analysieren die Möglichkeiten und versuchen einen Sinn in die Sache zu bringen…

Ich habe ein einfaches Portrait ausgesucht, damit die Sachen offenkundiger werden, die wir bedenken und angleichen müssen.

Ein guter Ausgangspunkt:

Wie ich neulich in meinem Artikel über wirkungsvolle on-location Portraits geschrieben habe, ist mein Ausgangspunkt meistens eine Kombination aus:

- dem Finden eines interessanten oder neutralen Hintergrundes,
- dem Positionieren meines Objektes vor/in Relation zu einem Hintergrund, damit optisch alles zufriedenstellend aussieht.

Wie weiß man, dass es optisch zufriedenstellend ist?

Nun, das ist eine Sache der Interpretation und macht jeden Fotografen einzigartig. Wie auch immer, ein guter Anfang in Bezug auf die Komposition, ist es, alles Störende zu beseitigen, was nicht zum fertigen Bild beiträgt. Seht auch auf die Ränder des Bildausschnitts. Was man vom Bild ausschließt ist genauso wichtig, wie das, was man mit einbezieht. Oft ist die bessere Wahl die Komposition zu vereinfachen. Beseitigt das Wirrwarr!

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Belichtungsmessung:

Wenn ich on-location mit einem Model oder Pärchen arbeite, achte ich darauf, dass sie in einem gleichmäßigen Licht stehen. Es ist eben einfacher, wenn keine harten Schatten auf dem Gesicht liegen oder fleckiges Licht, zum Beispiel. Es macht das Arbeiten einfacher. Wer abenteuerlustig ist und eine klare Vorstellung verfolgt… und stark ungleichmäßiges Licht braucht (oder damit umgehen kann)… okay. Aber der einfachere Weg, bei dem man selbst kontrolliert wie das Licht auf das Model fällt, macht die Arbeit leichter. In Bezug auf unserer Möglichkeiten wird es einfacher, den Blitz und das Umgebungslicht auszugleichen.

Wenn das Model nun vor einem interessanten/zweckdienlichen/neutralen Hintergrund positioniert ist und kein ungleichmäßiges Licht herrscht, fangen wir beim Hintergrund an.

Wie belichtet man für den Hintergrund?

Man kann mit einem Handbelichtungsmesser arbeiten und den Hintergrund einmessen. Das wäre bei einem Hintergrund wie diesem hier aber unmöglich – fleckig sonnenbeschienende Blätter. Einfacher geht es mit dem kamerainternen Beilchtungsmesser. Man muss sich nur entscheiden, wie der Hintergrund erscheinen soll. Will man ihn etwas überbelichtet? Will man vielleicht ein luftiges Sommerambiente? Oder sucht man nach einem high-key Effekt? Oder will man sogar überbelichten um Details in einem ablenkenden Hintergrund zu verlieren? Die Wahl liegt bei einem selbst.

Bei dem Beispiel oben habe ich durch den Sucher geschaut und die Kameramessung zeigte +0.7 Blenden Überbelichtung an. Ich hätte auf die Nullstellung runterregeln oder noch mehr überbelichten können, oder auch unterbelichten. In diesem Fall mochte ich aber die leichte Überbelichtung im Vergleich zur Nullstellung.

Das Foto oben habe ich während eines individuellen Workshops/Anleitungskurses gemacht. Zum Vergleich ist hier ein anderes Foto, gemacht von Natalie Licini.

Hierbei haben wir das Umgebungslicht darauf abgestimmt, wie wir den Himmel erscheinen lassen wollten. Wir wollten einen leicht ominös aussehenden Himmel, indem wir ihn unterbelichtet und dann das Model mit einem Blitz knackig und korrekt aufgehellt haben.

Die Wahl, wie man den Hintergrund einmisst, hängt also wirklich von seinem eigenen Ziel ab.

Es gibt aber auch Grenzen. Man kann nicht so weit überbelichten, dass auch das Model überbelichtet ist. (Das sollte aber ein verständliches Limit sein.) Vereinfacht gesagt, gibt es zwei Szenarien:

- man belichtet korrekt auf das Objekt (und verwendet dann einen Füllblitz), oder
- man unterbelichtet das Umgebungslicht und das Objekt und benutzt dann einen Blitz, um das Model korrekt wieder aufzuhellen.

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Was man mit der Blitzbelichtung machen muss:

1. Wenn man nur einen Füllblitz braucht

Mit anderen Worten, man hat bereits eine korrekte Belichtung für das OBJEKT, unabhängig vom Hintergrund, dann muss man den Blitz um ca. 2 Blenden darunter einstellen, oder auch 3. Irgendwo in diesem Bereich.

Wenn man sich für einen manuellen Blitz entschieden hat, misst man den Blitz für 2 bis 3 Blenden (oder irgendwo in diesem Bereich) weniger ein, als man die Kamera für die Belichtung des Hintergrundes eingestellt hat. Wenn man beispielsweise die Einstellungen bei  f4 @ 100 ISO (wie in dem Foto ganz oben) gefunden hat, dann stellt man den Blitz so ein, dass der Belichtungsmesser eine Blende von f2 (oder nahe bei f2) angibt, um korrekt zu belichten. Andersherum: bei f4 (wie im Beispiel oben) würde der manuelle Blitz unterbelichten.

Wenn man jetzt aber einen TTL-Blitz einsetzt, würde die Blitzbelichtungskompensation bei -2 bis -3 EV liegen. Man muss bei TTL auch ein paar Dinge im Hinterkopf behalten. Die Tonalität/Reflektivität des Objektes/der Szene beeinflusst die Belichtung. Man sollte auch nicht vergessen, dass die meisten Kameras bei TTL unterbelichten, wenn der Hintergrund stark ausgeleuchtet ist. Wenn man also denkt 0 EV wären nötig, dann wird es etwas wie +1.3 EV sein. Oder man möchte den Blitz 2 Blenden unter “normal” haben, würde aber noch weniger Licht bekommen, aufgrund des starken Hintergrundlichts. Dann würde -1 EV wahrscheinlich das gleiche Licht ergeben, wie -2 EV in anderen Situationen.

2. Wenn man den Blitz als Hauptlicht braucht:

Ein anderer Ansatz für den Umgang mit Blitz und Umgebungslicht, ist es, vorsätzlich das Objekt unterzubelichten… um eine Blende oder mehr. Dann verwendet man den Blitz um wieder korrekt zu belichten. Genauso wichtig: Man verwendet den Blitz um großartiges und gerichtetes Licht zu erzeugen. Hier sind zwei Artikel, die den Entscheidungsprozess beschreiben:

- Ausbalancieren von Blitz und Umgebunglicht – wo fängt man nur an?
- Belichtungsmessung für manuellen Blitz mit einer Softbox.

Wenn wir uns für ein unterbelichtetes Model entschieden und den Blitz benutzt hätten, um es im Vergleich zum Hintergrund wieder korrekt zu belichten, dann wäre der Blitz die dominante Lichtquelle gewesen.

Beim manuellen Blitz ist es am einfachsten einen Belichtungsmesser zum Ermitteln der korrekten Blitzbelichtung zu verwenden.

Beim TTL-Blitz wäre die FEC im Bereich von 0 EV. Bei einem hellen Hintergrund läge sie wohl eher bei +1 EV oder sogar höher. Vielleicht +1.3 EV. Man muss das Kameradisplay überprüfen, um das herauszufinden. (Das heißt, man stellt die Belichtungswerte danach ein, wie man den Hintergrund erscheinen lassen möchte.) Auch wenn TTL eine schnelle und einfache Arbeitsweise zu sein scheint, würden die Ergebnisse nicht so vorhersehbar sein wie bei manuellem Blitz. Man muss die Vorschau überprüfen um die korrekte Belichtung zu ermitteln und höchst wahrscheinlich die FEC justieren. Und natürlich auf die Reserven der RAW-Datei bauen, um Unzulänglichkeiten auszubügeln. .

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Kommen wir wieder zum Ausgangsfoto zurück…

Wir waren dort angelangt, nur einen Hauch von Füllblitz auf dem Model Tia zu benötigen. So, wie wir sie positioniert haben, fiel offenes Licht auf ihr Gesicht und wir brauchten nur einen zarten Kuss von Füllblitz, um die Schatten auf ihrem Gesicht anzuheben.

meine finalen Einstellungen: 1/250th @ f4 @ 100 ISO

Ausrüstung: Nikon D3; Nikon 70-200mm f2.8 VR II (B&H); off-camera Nikon SB-900 (B&H)

Lichtformer: wie hier beschrieben – Systemblitze und Softboxen

Die Wahl der maximalen Blitzsynchronzeit sollte eine offensichtliche Wahl sein. Da ich die PocketWizard Plus II benutzt habe, konnte ich nicht über die max. Blitzsynchronzeit hinaus gehen. Aus verschiedenen Gründen ist die maximale Blitzsynchronzeit der effektivste Punkt beim Blitzen in heller Umgebung. Verkürzt, die max. Blitzsynchronzeit bietet die größte Effizienz des Blitzgerätes, indem sie die größtmögliche Blende erlaubt ohne in die Kurzzeitsynchronisation (FP/HSS) zu wechseln. Das erklärt auch, warum dieses Szenario hier das komplette Gegenteil zu einer Situation ist, bei der man die Verschlusszeit ziehen würde. Die Verschlusszeit zu ziehen kommt hier nicht in Frage, da wir in hellem Licht arbeiten.

Bei diesem Beispiel haben wir einen manuellen Blitz in einer Softbox verwendet. Die Belichtung durch den Blitz lag weit unterhalb der für den Hintergrund. Der entfesselte Systemblitz war auf manuell gestellt und in einer Softbox.

Das ist das selbstbestimmte Resultat. Wir hätten uns auch für eine andere Herangehensweise entscheiden und den Hintergrund anders belichten können und dann sehen müssen, was wir mit dem Blitzgerät anstellen müssen. Die Auswahlmöglichkeiten sind groß.

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause

Diese Frage kommt wiederholt als Reaktion auf meine Artikel über meinen Lieblingslichtformer auf – dem schwarzen Schaumding.

Für diejenigen, die hier neu sind, sind hier die beiden Hauptartikel darüber, wie ich das Licht meines Aufsteckblitzes mit einem Stück schwarzen Schaumgummi abschatte:
- das schwarze Schaumding,
- meine Wahl von Lichtformern

Immer wieder kommt die gleiche Frage auf:
Warum ein schwarzes Stück Schaumgummi und keine weiße Reflektorkarte oder weißer Gummi?

Ich habe diese Frage in verschiedenen Artikeln mit Hilfe des Fotos unten beantwortet… aber ich denke, die Antwort wird leicht durch die immer tiefer gehenden Artikel übersehen. Also dachte ich mir, dass ich mit diesem Beitrag die Antwort auf diese eine Frage neu aufleben lasse.

Sehen wir uns das Foto an, welches auch in meinem Buch über Blitzfotografie auftaucht:

Ich wollte meine Lichtquelle (d.h. den Bereich von dem ich bounce) von einer Stelle rechts neben und über mir kommen lassen, aber auch ein wenig von vor der Braut. Somit ist ihr Arm und ihre Rückseite etwas unterbelichtet, im Vergleich zu ihrem Gesicht (welches man hier als Spiegelbild sieht). Anstatt einen Plastikaufsatz oder dergleichen zu benutzen, habe ich ein Stück schwarzen Schaumgummis genommen, um das Licht vom Blitz abzuschirmen.

Eine weiße Reflektorkarte hätte zu viel Licht zurück in den Raum geworfen und somit das Gesamtlicht flacher gemacht. Das will ich aber nicht. Ich möchte gerichtetes Licht haben. Ich möchte das Zusammenspiel von Licht und Schatten. Ich möchte Kontrast.

Auf der anderen Seite wäre ein Snoot/Spottubus zu speziell, da ich eine relativ große Fläche brauche, um effektiv zu bouncen.

Ich mag dieses Stück schwarzen Schaums. Ich kann ihn mit meiner linken Hand ein wenig zusammenrollen, wenn ich einen Snoot brauche. Dieses Stück schwarzer Schaum ist so einfach, aber dennoch flexibel. Also ist es das, was ich verwende, wenn ich den Blitz bounce und einen großen Teil von Kontrolle über das Licht haben will.

Dann gibt es dauernd noch zwei weitere Fragen:

- Wenn es keine Oberflächen zum Reflektieren gibt, muss man andere Wege finden. Entweder man benutzt andere Lichtformer, direktes Blitzlicht oder -idealerweise- einen entfesselten Blitz. Man kann nicht erwarten, dass ein Stück Schaumgummi in allen Situationen zu zufriedenstellenden Ergebnissen führt. Was den Umgang mit Licht angeht, muss man anpassungsfähig sein.

- Ja, unter anderen Umständen benutze ich auch andere Lichtformer. Aber in Räumen (und auch draußen), wo ich reflektierende Oberflächen finde, gibt mir das Stück schwarzer Schaum die Kontrolle, die ich brauche. Und die Ergebnisse zeigen sich in den Fotos auf diesen Seiten und meiner Arbeit als Hochzeitsfotograf.

Zusammenfassend möchte ich einen Punkt noch einmal hervorheben – es gibt keine schnellen Lösungen. Ich bin unumstößlich gegen die Vorstellung einer ‘eierlegenden Wollmilchsau’ im Sinne von Lichtführung und Blitzfotografie. Insbesondere die Idee eines einzelnen Stückes Plastik auf dem Blitzkopf, dass immer beste Ergebnisse bringen soll. Diese Vorstellung wird euch zurückhalten.

Man muss immer wieder seine Technik mit Bedacht auf das Objekt und dem Szenario anpassen. Und natürlich dem Ergebnis, welches man erzielen möchte.

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause

Für die Blitzfotografie werden oft die Vorschläge gemacht, dass man die Synchronisation auf den 2. Verschlussvorhang (rear-curtain sync) verwenden sollte. Oft aber aus den falschen Gründen. Hier geht es darum, wann man NICHT auf den 2. Verschlussvorhang synchronisieren sollte… wenn man es nicht ausdrücklich braucht. Klingt verwirrend? Nun, lasst es mich erklären…

Synchronisation auf den 2. Verschlussvorhang/Rear-curtain sync

Der Kameraverschluss besteht aus zwei Vorhängen die sich öffnen und erlauben, dass Licht auf den Sensor oder Film trifft.

Das gilt für alle Filmkameras mit Schlitzverschluss (im Gegenzug zu Zentralverschlusskameras) und alle Digitalkameras mit mechanischem Verschluss (im Gegenzug zu elektronischen Verschlüssen).

Um Licht auf den Sensor (oder Film) zu lassen, öffnet sich der erste Vorhang und kurze Zeit später verschließt der zweite Vorhang wieder. Nun, wenn man längere Verschlusszeiten verwendet, als die maximale Blitzsynchronzeit, dann bieten die meisten DSLR und Systemblitze zwei Stellen, an denen der Blitz synchronisiert werden kann.

Man kann den Blitz genau bei Öffnen des ersten Vorhangs auslösen (Synchronisation auf den 1. Verschlussvorhang/first curtain sync) oder kuuurz bevor der zweite schließt (Synchronisation auf den 2. Verschlussvorhang/rear curtain).

Wenn sich das Objekt von Seite zu Seite im Sucher bewegt, ergibt das zwei unterschiedliche Effekte. Die Art wie der Verwischeffekt durch das Umgebungslicht im Vergleich zum durch den Blitz eingefrorenen Objekt aussieht, ist bei beiden Arten der Blitzsynchronisation anders. Wenn man Personen (oder irgendein Objekt) bei wenig Licht fotografiert und einen Blitz benutzt, wobei sich das Objekt bewegt, dann wird man mit der Synchronisation auf den 2. Vorhang wohl den besseren Effekt erzielen. (Mehr darüber in einem späteren Artikel.)

Wie auch immer, wenn das Objekt statisch ist, dann wird es im Ergebnis keinen Unterschied machen… außer wenn man TTL-Blitz benutzt und Personen fotografiert, die in die Kamera schauen.

Um das zu erklären, sehen wir uns dieses Diagramm an:

Um die TTL-Blitzbelichtung zu ermitteln, senden Kamera und Blitzgerät eine Sequenz von Vorblitzen aus. Es ist dieser Lichtimpuls oder -impulse BEVOR der Hauptblitz die korrekte Belichtung erzeugt, wodurch die Kamera die TTL-Blitzbelichtung errechnet.

Wenn man auf den 1. Vorhang/normal synchronisiert, sind die Vorbiltze und der Hauptblitz zeitlich so eng beeinander, dass man keinen Unterschied merkt. Es sieht wie ein Blitz aus.

Wenn man aber auf den 2. Vorhang/rear synchronisiert, kann ein merkbares Intervall zwischen dem Vor- und dem Hauptblitz entstehen. Je länger die Verschlusszeit, desto größer die Verzögerung zwischen Vor- und Hauptblitz.

Wenn man nun Personen mit einer langen Verschlusszeit fotografiert, reagieren sie auf den Vorblitz und die meisten Leute blinzeln. Im Ergenbis wird man eine große Anzahl von Bildern haben, bei denen die Leute halb oder ganz geschlossene Augen haben. Nicht gerade schön.

Man kann den zeitlichen Versatz zwischen Vor- und Hauptblitz tatsächlich sehen:

Stellt Eure Kamera auf irgendeine ISO und Blende.

Da es nur ein Test ist, könnt ihr auch eine hohe ISO einstellen (egal wie hoch) und eine relativ weite Blende. f4 wäre gut.

Stellt die Verschlusszeit auf 1 Sekunde.

Bounct den Blitz. (Es gibt keinen besonderen Grund dafür. Tut es trotzdem, da es an sich eine gute Idee ist.)

Lasst den Blitz auf dem 1. Vorhang und drückt den Auslöser. Schaut euch die Lichtexplosion(en) an. Es wird wie eine einzige Lichtexplosion aussehen.

Stellt jetzt die Kamera für den Blitz auf dem 2. Vorhang ein.

- bei Nikon ist das für gewöhnlich ein Knopf oben auf der Kamera, den man drücken und dabei am Rädchen drehen muss. Der Knopf muss ein Blitzsymbol haben.

- bei Canon wird das am Blitzgerät eingestellt. Es ist der Knopf mit dem Blitzsymbol und den Dreiecken. Drückt den Knopf bis ihr die Dreiecke eingestellt habt.

Nun werdet ihr zwei unterschiedliche Lichtimpulse sehen. Der erste ist der Vorblitz/Messblitz, mit dem die Kamera die TTL-Blitzbelichtung errechnet. Der zweite ist der eigentliche Blitzimpuls, der die Belichtung für das fertige Foto erzeugt.

Diese Verzögerung sorgt dafür, dass der Vorblitz vom Hauptblitz getrennt erscheint. Das veranlasst häufig, dass die Personen blinzeln.

Die Synchronisation auf den 2. Vorhang gibt NICHT bessere Blitzergebnisse, als auf den 1. Vorhang. Ich lese reglemäßig Ratschläge in Foren, dass die Synchronisation auf den 2. Vorhang bessere Blitzbelichtungen ergibt. Das ist aber einfach nicht wahr.

Mein Rat ist es nun, wann man die Synchronisation auf den 2. Verschlussvorhang benutzen sollte – tut es, wenn ihr triftige Gründe dafür hat. Solche wie: Ihr wollt den Geistereffekt vermeiden, den man sieht, der bei Bewegungen und Blitz auftritt. Für jede andere Situation sollte man auf den 1. Vorhang synchronisieren. Man wird weitaus weniger Blinzler haben und das Leben wird einfacher ein.

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause

Eine Sache betone ich immer wieder, wenn man die besten Resultate mit einem Aufsteckblitz erzielen möchte: Beachte die Richtung des Lichts vom Blitz!

Wenn man die Richtung weiß, aus der das Blitzlicht kommen soll, dann ist der einfachste Weg herauszufinden, in welche Richtung man den Blitz bouncen muss, indem man über die einfachen Geometriegrundlagen nachdenkt. Ja, die Geometriegrundlagen aus den Schultagen. Wer sich nicht mehr an den Physikunterricht erinnert, es gilt: Einfallswinkel = Ausfallswinkel.

Der Schlüssel dabei ist, nicht mehr das Blitzgerät selbst als Lichtquelle zu betrachten, sondern den Bereich, von dem man bouncen möchte.

Nun, wenn man sich das Bild (von einer Hochzeit neulich) oben auf der Seite ansieht, auf dem die Brautjungfer das Brautkleid zurecht macht…

… kann man erkennen, dass das Blitzlicht vom Standpunkt hinter der Braut kommt. Um das zu erreichen, habe ich meinen Blitz geblockt, damit kein Blitzlicht direkt auf das Brautkleid vor mir fallen konnte. Auf diese Weise konnte ich mehr Licht auf die Brautjungfer hinter der Braut werfen. Mit anderen Worten: Ich habe mehr Licht auf den Hintergrund geworfen, als auf den Vordergrund.

Durch das Bouncen von der Wand, erhält das Objekt mehr Form und Dimension. Man kann sehen, dass es gerichtetes und kein flaches Licht auf dem Gesicht der Brautjungfer ist.

Diese beiden Dinge zu erreichen:
– gerichtetes Licht (welches auch weich ist),
– das Objekt im Hintergrund mehr zu belichten, als den Vordergrund,
wäre mit einem simpelen gekauften Plastiklichtformer unmöglich.

Man kann diese Art von Effekt einfach nicht erreichen, indem man ein Stück (überteuerte) Tupperware auf den Blitzkopf stülpt. Ein Plastikllichtformer hätte ausserdem einen Look von direkterem Licht fabriziert.

Die üblichen Lichtformer, die auf den Blitzkopf gesteckt werden, hätten zu viel Licht nach vorne geworfen und weniger auf den Hintergrund. Das bedeutet, dass die im Hintergrund kniende Brautjungfer weniger gut beleuchtet gewesen wäre. Ein herkömmlicher Lichtformer hätte einen komplett anderen Look des Lichtes ergeben. Insbesondere, wenn man so nah am Objekt arbeitet, erzeugen diese Lichtformer einen Look von direktem Licht.

Stattdessen ist hier der bessere Weg, genau herauszufinden, wie man das Licht des Blitzes auf das Objekt fallen lassen möchte.

Hier ist mein wärmster Ratschlag, um die Resultate eines Aufsteckblitzes zu verbessern, wenn man in Räumen fotografiert und Bereiche hat, von denen man bouncen kann:

- wirf die Tupperware weg,

und dann

- find die Richtung heraus, aus der das Licht kommen soll.

Hier ist ein Foto, welches gut in einer Bildfolge mit anderen Bildern wie diesem funktioniert:

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause

Valerie ist das fantastische Model, das bei meinem Blitzfotografie Workshop letzte Woche in Nashville geholfen hat. Wie ich in dem Artikel erwähnt habe, werde ich hier ein wenig mehr erklären, wie ich die Belichtung beim manuellen Blitz in einer Softbox im Freien messe. Und um alle vorzubereiten, hier ist das Set-Up, das ich benutze - ein Aufsteckblitz im manuellen Betrieb, in einer Softbox und mittels PocketWizard ausgelöst.

Hier ist das Ergebnis. (Sieh auch den Beitrag über den Nashville Workshop an.)

Die Lichtführung ist einfach. Die Softbox wird hier zu meiner linken Seite gehalten. Die Farben und der Kontrast wurde von mir in ACR (innerhalb der Bridge) eingestellt, als Teil meiner üblichen Nachbearbeitung. Und hier ist das available light Foto, bevor der Blitz hinzukam.

Wie man bei diesem Foto sieht, habe ich das Umgebungslicht um eine Belichtungstufe unterbelichtet. Ich habe das Umgebungslicht mit einem Handbelichtungsmesser gemessen, aber ich hätte genauso gut die Histogramm Methode anwenden können.. und dann habe ich die Belichtung um eine Stufe heruntergeregelt. Ich kann das mit der Verschlusszeit, Blende oder ISO regulieren, oder mit einer Kombination davon.

Mein Belichtungsmesser ist ein Sekonic L-358. Ich habe den mit dem Modul, das die PocketWizards auslöst, sobald ich die Messung betätige. Das macht ihn weniger schwerfällig im Umgang. Aber wenn man das Histogramm benutzt, um selektiv das weiße Shirt zu messen, wäre man genauso schnell am Ziel gewesen.

Meine Einstellungen für die Bildfolge waren: 1/200th @ f5.6 @ 200 ISO.

Diesmal war ich nicht genau bei der maximalen Blitzsynchronzeit (1/250 bei dieser Kamera), da ich im Schatten und nicht im hellen Licht gearbeitet habe. In dem Moment, wenn ich im hellen Licht bin und einen Blitz verwende, macht es am meisten Sinn mit der maximalen Blitzsynchronzeit zu arbeiten und die Einstellungen von dort aus zu finden.

Das Umgebungslicht habe ich mit 1/200th @ f4 @ 200 ISO gemessen. Noch einmal, das hätte man entweder mit dem Handbelichtungsmesser oder mit dem Histogramm ermitteln können.

Danach habe ich die Einstellungen so verändert, dass ich eine Belichtungsstufe unterbelichtet habe. Ich hätte irgendeine der Einstellungen ändern können oder eine Kombination daraus. In diesem Fall habe ich einfach die Blende auf f5.6 gestellt, da ich schon an der untersten Grenze der ISO für diese Kamera war. Dann habe ich den Blitz auf eine bestimmte Leistung eingestellt…

Manueller Blitz wird durch 4 Faktoren geregelt:

- Blende
- ISO
- Entfernung zwischen Lichtquelle und Objekt
- und Blitzleistung.

Bei diesem Beispiel hatten wir festgelegt, welche Blende und ISO wir verwenden wollten, was nur die Entfernung und Blitzleistung zur Regulierung übrig lässt.

Wie weit halten wir nun also die Softbox vom Model entfernt?

Hierbei balancieren wir die Entscheidung aufgrund einiger Faktoren aus. Je größer die Lichtquelle (im Vergleich zum Objekt) ist, desto weicher wird das Licht. Man benötigt aber auch eine komfortable Arbeitsdistanz, in der die Softbox nicht auf dem Bild erscheint. Wenn man die Softbox zu weit entfernt hält, wird das Licht schrittweise härter. Wir würden uns in der Praxis selbst ausbremsen, wenn wir nach den Formeln und Set-Ups aus Lehrbüchern vorgingen. Es ist einfacher, damit flexibel bei einem Shooting umzugehen und den perfekten Punkt zu finden, an dem sich das Licht zu einem gewissen Grad um das Objekt hüllt und man trotzdem noch genügend Platz hat, um sich bewegen zu können ohne die Position des Lichts zu oft verändern zu müssen.

In diesem Fall hat jemand der Workshopteilnehmer die Softbox an einem Monopod gehalten. Das macht es viel leichter, die Position des Lichts zu verändern, wenn sich auch das Model verändert.

Als wir die ungefähre Position für die Softbox herausgefunden hatten, mussten wir die Leistung des Blitzes auf f5.6 einstellen. Es gibt ein wenig Spielraum bei dieser Methode. Wenn man 1/3 Stufe mehr oder weniger Licht braucht, kann man einfach die Softbox etwas näher heran oder weiter weg bewegen. Das ist einfacher, als den Blitz immer hoch und herunter zu nehmen und die Leistung am Gerät selbst einzustellen.

Und dann ist da natürlich noch der Spielraum, den das RAW Format bietet. Im obersten Bild musste ich die Belichtung um 2/3 Stufen in ACR runterregeln. Anscheinend ist die Person am Lichtständer während der Session etwas näher gerückt. Aber das ist während der Aufnahme des Fotos weniger ein Problem, als den Rhythmus der Session beizubehalten. Besser als für die Lichtjustage immer zu unterbrechen, ist es, den kleinen Fehler bei der Nachbearbeitung zu korrigieren.

Auch wenn es scheint, dass es eine verwirrende Zahl von Einstellungen zu verändern gibt, so sind sie nicht vollkommen willkürlich und alles fällt an seinen Platz, mit dem gewissen Maß an Logik.

Um alles noch einmal zu bestätigen, ist hier ein älterer Beitrag, der ebenfalls das Thema behandelt Nun, wie sind deine Einstellungen?

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause

Das Licht auf Valerie kommt vom Abendhimmel, ein Paar Stadtlichtern und etwas von einem Parkhaus. All das hat sich summiert, um ein spontanes Portrait mit avilable light von ihr, inmitten eines Parkplatzes, zu machen.

Meine Einstellungen waren: 1/160th @ f1.4 @ 1250 ISO
Meine Kamera: Nikon D3 und Nikon 85mm f1.4

Das Licht war weich, aber nicht notwendigerweise das beste, um ein Portrait zu machen, bei dem sie einfach nur in die Kamera schaut. Durch die ringsumstehenden Gebäude, kam das Licht zu sehr von oben. Also bat ich Valerie leicht nach oben zu schauen und so fiel mehr Licht auf ihr ganzes Gesicht und hat ihre Augen nicht in Schatten gehüllt. Ich habe durch das Positionieren von Valerie das Umgebungslicht kontrolliert.

Somit komme ich zu einem Punkt, der mich ärgert, wenn ich ihn in Foren lese: Dass eine Kamera mit hohen ISO-Fähigkeiten einen Blitz überflüssig macht. Das ist einfach nicht wahr! Die Möglichkeit bei wenig Licht mit einer hohen ISO zu fotografieren, heisst nicht zwangsläufig, dass das Licht auf dem Objekt gut ist. Sehr oft kann man das existierende Licht verbessern, indem man einen Blitz, Videolicht oder einen Reflektor verwendet.

Das ist ein Beispiel von der gleichen Fotosession in den Straßen von Nashville, wo Valerie und ich am frühen Abend herumgelaufen sind, um zu sehen, was für interessante Portraits wir machen können.

Ich habe die gleiche Kamera und Linse benutzt und ich mag das defokussierte Hintergrundlicht (Straßenlaternen, Autos und Gebäude) hinter ihr. Der Hintergrund sieht klasse aus und ich habe ein hübsches Model… aber das Licht auf ihr ist sehr ungleichmäßig und wenig schmeichelnd.

Ich hatte mich entschlossen, einen Blitz von der Seite des Gebäudes zu bouncen, das man im ersten Bild sehen kann. Es stand ziemlich weit weg, ungefähr 5 Fahrzeuglängen. Ein ziemlich extremes Beispiel für einen gebouncten Aufsteckblitz.

Ich hatte aber die Möglichkeit durch die lichtstarke Linse und eine hohe ISO.

Das zusätzliche Licht vom Blitz hat ihre Gesichtszüge verbessert. Das Licht ist nicht perfekt, aber in meinen Augen eine riesige Verbesserung im Vergleich zum ersten Bild, bei dem ich einfach auf das mir zur Verfügung stehende Umgebungslicht vertraut habe. Ich mag auch die Art, wie nun das Licht ein zufälliges Muster auf ihrer Haut erzeugt.

Der Punkt, den ich hier zeigen (oder besser herausarbeiten) will, ist, dass eine Kamera, die einem die Freiheit gibt, bei wenig Licht zu fotografieren (und lichtstarke Linsen), nicht damit gleichzusetzen ist, auf die Qualität des Lichts zu achten, das man hat.

Man muss immernoch darauf achten, ob das Licht ideal und interessant ist und ob es dem Objekt steht und es dann aufbessern, wenn man meint, dass es passt. Mit anderen Worten: Auch wenn man die Möglichkeit hat, mit einer hohen ISO zu fotografieren, ersetzt es nicht den ständigen Blick nach der Richtung und Qualität des Lichts.

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause

Eine Technik, die ich oft dann benutze um knackig scharfe Fotos bei wenig Umgebungslicht und ohne Blitz zu bekommen, ist die Kamera auf Serienaufnahme zu stellen und sie dann für eine Sekunde oder so rattern zu lassen. Da eine Verwackelung einige Bilder (eher die meisten) ruinieren wird, bin ich relativ sicher, dass wenigstens ein Bild knackig scharf sein wird.

Ich weiß, dass das der Philosophie in der Fotografie äußerst entgegensteht – dem Warten auf den auch-so-perfekten-Moment, an dem alles zusammenkommt und wenn mit äußerster Präzision und übermäßiger Intuition für den Moment, in dem man sich befindet, DAS Foto entsteht. Der Großteil meiner persönlichen Fotografie wird durch den Glauben an den entscheidenden Moment gelenkt – Henri Cartier-Bressons oft zitiertes Motiv. Es gibt aber Zeiten, so wie diese Fotosession, in der hauptsächlich statische Portraits in dunkler Umgebung gemacht werden, in denen es eben einfacher ist, den Motor rattern zu lassen…

Es gibt immer eine Möglichkeit für ein Stativ, auch wenn ich finde, dass sie mich langsamer machen. Als Beispiel: Ich habe mich bei diesem Bild immer ein wenig in der Position zwischen den einzelnen Fotos verändert, damit ich die Muster der Lichter im unscharfen Hintergrund verändern konnte. Ein Stativ wäre zu statisch und ich hätte nicht diese Unterschiede in dieser Kürze der Zeit hinbekommen.

Da ich ohne Blitz fotografiert habe, konnte ich schnelle Bildfolgen schießen, ohne etwas zu ruinieren. (Außer der Sensibilität einiger Puristen.) Ich fokusiere zwischen den Sequenzen neu, um jeden Fokusierungsfehler zu umgehen oder unscharfe Bilder zu vermeiden, weil einer von uns beiden sich bewegt hat. Später bei der Nachbearbeitung ist es einfach in der 100%-Ansicht die scharfen Fotos auszusortieren, wenn man sich die RAW-Dateien ansieht.

Da haben wir es. Es ist doch offensichtlich, welches Foto ich behalten werde – Das scharfe.

Bei diesem Portrait von Priscilla – welches während der gleichen Fotosession gemacht wurde wie einige andere Bilder in früheren Beiträgen – habe ich wieder mit dem Nikon 200mm:f2 bei wenig Licht fotografiert. Auch wenn dieses Objektiv eine VR Linse ist (und der VR funktioniert), ist das Objektiv so schwer und 1/100th eine so lange Verschlusszeit, dass da immer das Risiko für Verwackelung besteht.

Ich benutze diese Technik auch bei Schlüsselmomenten auf Hochzeiten. Wenn ich die Kirchenzeremonie bei wenig Umgebungslicht fotografiere, dann stelle ich die Kamera oft auf die Serienbildaufnahme und lasse die Kamera während des Kusses rattern. Es ist kein so feierlicher Moment, da eh alle applaudieren. Na ja, alle, außer den Gästen mit einer Kamera. Aber die tragen auch zu der Geräuschkulisse bei. Niemand bemerkt mich also bei meiner Maschinengewehrsalve.

Nun, es birgt die Gefahr einen Schlüsselmoment zu verpassen, wenn man sich auf die Bildwiederholungsrate der Kamera verlässt… aber bei einer (relativ) statischen Situation wie bei dieser Session, ist es eine einfache Technik, die mich flüssig arbeiten lässt und mir scharfe Fotos in der Dunkelheit garantiert.

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[ Nikon D3; Nikon 200mm f2 AF-S VR .. 1/100th @ f2 @ 1250 ISO ]

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Mein Freund Steve Z aus Colorado war ein paar Tage hier, um die Familie und Freunde in NJ zu besuchen. Wir haben uns zusammengetan, um ein Fotoshooting zu machen und ich habe dafür Priscilla angerufen, ein Model mit dem ich schon zusammengearbeitet habe. Glücklicherweise habe ich die Erlaubnis bekommen, im Peterson Museum fotografieren zu dürfen – ein interessantes historisches Bauwerk.

Steve Z ist ebenfalls ein Freund von fotografischer Lichtführung, weshalb wir einen Haufen Ausrüstung eingepackt haben (einen Beautydish, Softboxen, Systemblitze und Videolichter). Wir waren darauf vorbereitet, richtig viel mit Licht herumzuspielen.

Als wir im Museum ankamen, rutschte mir das Herz in die Hose, weil ich sah, dass alles mit Leuchtstoffröhren überflutet war. Meine bisherige Erfahrung war: Leuchtstoffröhren = hässliches Licht. Dann dachte ich mir, dass es vielleicht eine Gelegenheit wäre, ein bisschen Material für ein Tutorial über Blitz- und Leuchtstoffröhrenlicht zu sammeln. Wenn ich bidher mit dem hässlichen grünen Leuchtstoffröhrenlicht arbeiten musste, dann habe ich es immer mit Blitzlicht überstrahlt. Leuchtstoffröhren verursachen oft einen grünen Farbstich und das unvollständige Farbspektrum macht es manchmal schwierig, tolle Hauttöne zu bekommen. Das Licht flackert auch und der Weißabgleich kann sich verändern, je nachdem welchen Zyklus des Flackerns man erwischt. Also dachte ich, dass das gutes Material für eine Anleitung hier wäre…

Um zu zeigen, dass Leuchtstoffröhren Veränderungen des Weißabgleichs verursachen können, habe ich den WA auf einen annähernden Kelvinwert (4350 K) an der Kamera eingestellt. Die Nikon D3 auf Continuous Autofokus gestellt, habe ich drei Sequenzen von jeweils 8 Bildern losgefeuert. Die erste Serie mit 1/100 Verschlusszeit und die anderen beiden mit 1/60.

Und zu meiner Überraschung sah das Licht großartig aus! Auf jedem einzelnen Bild gleichmäßiges Licht.

Nicht einmal ein Hauch von Grün. Es war zwar wärmer als Tageslicht, aber trotzdem großartig.

Den Großteil der 2+ Stunden Session haben wir mit verfügbarem Licht fotografiert… Leuchtstoffröhrenlicht! Schlagt mich mit einer Feder!

Das Foto oben ist nur Umgebungslicht!

Bei der Nachbearbeitung der RAW-Datei habe ich die Gelbtöne etwas reduziert und ein bisschen Magenta hinzugegeben, um die Hauttöne schön herauszuarbeiten. Und mit dem selektiven Anpassungstool in ACR/Bridge habe ich zwei helle Stellen reduziert und ein Auge etwas aufgehellt.

Ich bin immer noch überrascht, dass das Licht so gut und gleichmäßig war, besonders für Leuchtstoffröhren. So viel zu meinem Vorurteil, dass Leuchstoffröhrenlicht schlecht sein muss.

Offensichtlich hängt das von den verwendeten Leuchtstoffröhren ab, so wie von anderen Einflüssen, z.B. wie alt die Röhren sind. Aber egal welche Röhren sie in dem Museum verwenden, sie müssen magisch sein, wenn man das überraschend gute Licht bedenkt.

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Vielleicht fragt ihr euch, was das für Farben und Schatten im Hintergrund sind.

Dann zeige ich mal, dass das die USS Holland ist – das erste von der US Navy in Betrieb genommene U-Boot.

Seht ihr die Helligkeits- und Farbverläufe auf dem konkaven Rumpf?

Das ist der Hintergrund für das Foto, mit Blende f2 mit dem Nikon 200mm f2 AF-S VR fotografiert.

Wenn ich mir das Foto oben so ansehe, dann glaube ich, dass ich mich wieder in dieses Objektiv verliebt habe.

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause

Die Schärfentiefe ist einer der elementaren Faktoren in der Fotografie, der die meisten (neuen) Fotografen mit Fragen überhäuft. Eine Frage, die mir häufig gestellt wird, ist “Woher weißt du, wieviel Schärfentiefe du brauchst?” Jeder, der sich auf dieses Thema gestürzt und ein paar Quellen zu Rate gezogen hat, weiß, dass man schnell verwirrt ist… der Kopf dreht sich und versucht alle Konzepte miteinander zu verbinden: Unschärfekreis, Brennweite, Objektabstand, Vergrößerungsfaktor, Formatgröße, Abbildungsmaßstab u.s.w.

Ein funktionierender Ansatz kann aber viel einfacher sein…

Früher hatten Objektive Markierungen für den Schärfebereich eingraviert, die einem eine ungefähre Vorstellung darüber gaben, was bei einer bestimmten Distanz und Fokus scharf abgebildet würde, bei einer bestimmten Blende für die jeweilige Linse. Man kann auch Schärfentiefetabellen mit sich herumschleppen. Heute gibt es sogar kleine Programme für das iPhone, die einem den Schärfebereich für ein bestimmtes Objektiv und Kamera verraten.

Als ein Portrait- und Hochzeitsfotograf kümmere ich nicht mehr so sehr darum. Zum einen durch meine Erfahrung (und die hilft immer), aber hauptsächlich durch mich selbst, habe ich die Frage “Wieviel Schärfentiefe brauche ich?” auf diese Antwort reduziert: Gerade genug.

Das scheint eine resignierte und witzhafte Antwort zu sein. Wie auch immer, wieviel Schärfentiefe braucht man tatsächlich? Genug eben.

Abhängig vom Bereich der Fotografie, in dem ihr euch aufhaltet, können eure Anforderungen andere sein. Ein Portraitfotograf hat andere Kriterien als ein Fotograf, der vorrangig Landschaften, für die Werbung, Architektur, Sport oder für die Nachrichten fotografiert. Behaltet also im Hinterkopf, dass meine Antworten hier nicht auch auf euch zutreffen könnten. Diese Einschätzung muss ich hier loswerden, bevor die Anderen von den Lesern meines Blogs zerfetzt werden. ;)

Ich lege meine Schärfentiefe danach fest, indem ich drei Kategorien erstellt habe…

- geringe Schärfentiefe (f1.4 bis f2.8 .. oder auch f4)

- mittlere Schärfentiefe (zwischen f4 – f8)

- sehr große Schärfentiefe (f8 und kleiner)

Wenn ich ein Portrait fotografiere, bin ich oft daran interessiert, nur die Augen in den Fokus zu legen. Also würde eine geringe Schärfentiefe reichen. Deshalb funktioniert jede Blende zwischen f4 und f1.4. Die Art, wie sich der Hintergrund darstellt und wieviel vom Gesicht des Models ebenfalls scharf ist, variiert dabei natürlich. Aber der wichtigste Punkt in beinahe jedem Portrait -die Augen- werden scharf sein und damit hat man den wichtigsten Teil gemeistert.

Die Fotos in diesem Beitrag sind während einer Session entstanden, die darauf abzielte, die Stimmung und reizvolle Schönheit einzufangen. Dafür wollte ich eine äußerst geringe Schärfentiefe.

Wieviel Schärfentiefe habe ich gebraucht? Gerade genug. Das bedeutet, f2.8 hätte es getan, genauso wie f2 oder f1.4  oder etwas dazwischen. Die Art, wie die Fotos wirken würden, hätte sich zwischen f 1.4 und f2.8 ein gutes Stück verändert, aber nichts daran wäre für dieses Szenario falsch gewesen. Ich hätte jede erdenkliche Blende dafür verwenden können und trotzdem erfolgreiche Fotos bekommen. Aber ich wollte eben eine sehr geringe Schärfentiefe, also bin ich bei f1.4 gelandet, was außerdem äußerst hilfreich war, da ich während dieser Session meistens zwischen 1/30 – 1/160 Sekunde bei 1600 ISO fotografiert habe. Alles handgehalten.

Der Punkt, den ich versuche klar zu machen, ist, dass ich für dieses Szenario (und ich wette, das trifft auf die meisten Fotografiesituationen zu) keine Schärfentiefetabellen brauchte. Ich musste mich nur für einen Bereich von Blenden entscheiden, in dem ich arbeiten wollte. Ich wollte eine geringe Schärfentiefe und hätte diese mit einem relativ großen Bereich von Blenden erreicht.

Es gilt auch zu beachten, dass Schärfentiefe keine genau definierbaren Kanten hat. Das heißt, wenn der Schärfentieferechner angibt, dass bei Blende f5.6 genügend Schärfe zwischen (sagen wir mal) 1,5 und 4 Metern liegt, es nicht bedeutet, dass bis 4m alles knackig scharf und ab 4,5m traumhaft verschwommen ist. So ist es einfach nicht. Es ist ein linear verlaufender Bereich von Schärfedarstellung. Das Verständnis dafür ist wichtig, um den Effekt von Schärfentiefe und den Wechsel von Blende zu Blende zu begreifen. Es verlauft geradlinig, nicht schrittweise.

Das bedeutet, dass es eine lineare Veränderung zwischen benachbarten 1/3 Blendenstufen gibt und es einfach ist, den Unterschied von z.B. f3.5 zu f4 verfolgen zu können. Sich für einen Bereich von Blenden zu entscheiden, in dem man bleiben möchte und dann die passenden ISO und Verschlusszeiten zu finden ist eine praktischere Methode. Also, dann die drei Bälle zu jonglieren (Blende, Verschlusszeit & ISO) um praktikable und nützliche Einstellungen für die Kamera zu finden.

Für eine Gruppenaufnahme braucht man deutlich mehr Schärfentiefe und man wird sich sehr wahrscheinlich im Bereich von f4 bis f8 wiederfinden. Wenn die Personen in einer Linie stehen (oder sitzen), so dass ihre Augen mehr oder weniger auf einer Fokusebene liegen, könnte man gut mit einer Blende von f4 zurechtkommen. Sobald sie aber gestaffelt sind, braucht man eine kleinere Blende. f8 oder noch kleiner (was bedeutet, dass die Zahl hinter dem ‘f’ für die Blende größer wird).

Landschaftsfotografen brauchen oft tonnenweise Schärfentiefe. Aber das hängt auch von dem künstlerischen Ansatz ab. Man kann auch eine große Blende wählen, um ein Objekt in der Landschaft visuell zu isolieren. Wenn man aber mehr Schärfentiefe möchte, kommt man in den Bereich von f11 und f16. Ab Blende f22 und kleiner kommt man an eine Grenze, an der Beugungsunschärfe auftritt und die Qualität der Fotos ernsthaft verschlechtert. (Das ist aber ein anderes Thema und ihr könnt danach googlen, wenn euch das interessiert.)

Außerdem ermöglicht mir eine geringe Schärfentiefe das Augenmerk des Betrachters zu lenken. Hier sind zwei Fotos. Beim ersten habe ich den Fokus auf die Augen gelegt und beim zweiten auf die Hände. Für mich funktionieren beide Bilder gleichermaßen.

Letztendlich, um diesen schlingernden Beitrag abzuschließen, wollte ich einen Weg aufzeigen, der einen künstlerisch von der Angst vor einer speziellen Blendenwahl befreit… speziell wenn man vorher Schärfentiefetabellen benutzt hat. Mein Arbeitsansatz zur Wahl des Schärfebereichs: Entscheidet euch, wieviel Schärfentiefe ihr ungefähr braucht und verwendet dann eine Blende aus dem Bereich, in dem ihr gerade genug Schärfentiefe haben werdet. In seiner Einfachheit irgendwie selbsterklärend.

Autor: Neil van Niekerk
Übersetzung: Michael Krause